Feather

Ceremony

Photos de Chloe Le Drezen

Tiens v’la un marin !

« Tiens v’la un marin, sacré nom d’un chien c’est chouette un marin quand ça vous revient ! » Edith Piaf

Les marins font la mode - Sailor chic in Paris, from 24 February to 26 July 2009 at the Musée national de la Marine.

Avis aux amateurs de vareuses et casquettes de marins, le Musée national de la Marine présente une formidable exposition consacrée à l’histoire du costume marin, depuis l’uniforme jusqu’aux détournements des couturiers. Depuis bien longtemps, l’imagerie du marin fascine les foules. Héros, aventurier, marginal, il s’est crée une véritable iconographie autour du marin, nourrie par la culture populaire.

L’exposition exploite ces différents visages du marin, du loubard tatoué aux versions édulcorées des comédie musicales américaines, en passant évidemment par le fantasme homo érotique chez Jean-Paul Gaultier. Des tempêtes meurtrières, aux histoires de ports et de tavernes, l’imaginaire collectif a su créer une vision idéalisée, où se mélangent fiction et réalité. Le marin apparaît comme une figure populaire, qui fascine et fait rêver. Il hante les esprits dans un univers merveilleusement rétro, sorti d’une photo de Doisneau ou d’une chanson d’Edith Piaf.

Les couturiers ne cessent de revisiter cette image en sépia, ici réactualisée, détournée, véritablement réinventée. Rayures, cabans, et pantalons à ponts se retrouvent aujourd’hui aisément dans la garde-robe de toute fashionista, mais on connaît bien mal les origines et codes de ce célèbre uniforme.

L’exposition permet ainsi de découvrir et d’approfondir le costume et l’imaginaire marin, de manière simple et ludique.

All ye fans of sailor jackets and sailor caps, the National Navy Museum in Paris is holding an amazing exhibit dedicated to the history of naval costume from the creation of its uniforms to the design of navy-inspired outfits.For centuries, society has long been captivated by the sailor‘s image. Popular culture has deemed him a heroic, swashbuckling and unconventional seafaring icon.

The exhibit presents the many faces of the sailor, from the tattooed hooligan to the wholesome sailor men portrayed in American musicals as well as the guys emerging from Jean-Paul Gaultier’s homo-erotic fantasy. From deadly storms to tales from the harbors and taverns, the collective mind has formed an idealized vision of the sailor based on a mix of reality and fiction. He has become a popular figure, both fascinating and inspiring. Here, he summons the ghosts of the past in a marvelously retro universe, immortalized in a Doisneau photograph or an Edith Piaf song.

Designers continue to draw inspiration from this sepia-toned image--updating, transforming and reinventing. Nowadays, we find these stripes, navy jackets and bell bottoms in a fashionista’s wardrobe yet, we know little about the origins and the dress codes of this famous uniform.

The exhibit makes for a simple and entertaining way to discover and deepen our understanding of the sailor’s persona and his costume.

Colette en costume de marin.

L’uniforme de marin est réglementé dès 1858, désormais c’est la Marine qui fournit les vêtements destinés aux officiers ou matelots. C’est ainsi que se crée un vestiaire intemporel, constitué de vareuses, pantalons à ponts, tricots rayés, cabans, ornés de rubans ou de la fameuse ancre, devenue un véritable symbole. Les uniformes d’officiers sont quand à eux revêtus de magnifiques galons et broderies, hiérarchisés selon le grade.L’uniforme se popularise, et passe rapidement des marins aux classes bourgeoises, grâce a l’essor des loisirs, vers la fin des années 1830.
Grâce aux peintures et fictions romantiques, se répand une vision du marin comme symbole d’aventure et d’évasion. Le développement des chemins de fers entraîne la vogue des vacances à la mer, pour les vacanciers le costume du marin apparaît comme plus seyant, et teinté d’exotisme.
En 1846, afin d’exalter la puissance de la Royal Navy, la reine Victoria impose à ses fils l’uniforme marin miniature, qui se propagera jusqu’à devenir un classique de la garde-robe enfantine. Dans les stations balnéaires, vareuses et cols bleus se multiplient sur les garçonnets issus de familles aisées, jusqu’à devenir imagerie populaire, on se souvient du portrait d’Edouard VII de Winterhalter, ou des vêtements du jeune Tadzio dans Mort à Venise de Visconti.
De 1830 à 1870, le costume de marin est détourné a des fins frivoles, en effet, il devient inévitable dans les bals masqués, dont le couru bal de l‘Opéra. Les gravures de modes du 19ème montrent hommes et femmes arborant canotiers et rayures, qui renvoient une image carnavalesque du héros des mers.

Naval uniforms were regulated since 1858 and from then on, the Navy provided the clothes to its enlisted officers and seamen and established a timeless wardrobe collection ranging from pea-jackets, sailor pants, striped knits and clothes adorned with fancy cords or the famous anchor, which became a veritable nautical symbol. The officers’ uniforms were designed with elaborate braids and embroidery, classified according to rank.The uniform became popular and its influence spread to the bourgeois class, owing to the rise of recreational activities towards the end of the 1830s.
Through paintings and romantic fiction, the image of the mariner became largely associated with adventure and escapism. Moreover, the development of the railroad system eventually led to a lifestyle trend that resulted in seaside getaways. The vacationeers were taken to sporting sailor outfits which they considered to be more fetching and imbued with exoticism.
In 1846, in order to glorify the supremacy of the Royal Navy, Queen Victoria made his sons wear miniature sailor suits expanding its influence until it became a classic staple in children’s wear. In beach resorts, sailor jackets and the blue jean collar became increasingly common among little boys from well-to-do families and proceeded to become a notable imagery as evidenced in Winterhalter’s portrait of Edward VII or the clothes of the young Tadzio in Visconti’s Death in Venice.
From 1830 to 1870, the sailor costume became subject to frivolous diversions. It was consistently present in masquerade balls, including the renowned Bal d’Opéra. The etchings depicting 19th century fashion showed men and women wearing boat hats and nautical stripes that gave the sea-roving hero a carnivalesque appeal.

Brassaï, Conchita et les marins (1920-1930)

Dès la fin du 19ème, l’incursion du costume marin dans le vestiaire féminin apparaît comme un symbole d’émancipation, et de libération. Sous le règne des corsets et des montagnes de dentelles, l’adoption du costume marin est signe de provocation . En effet si l’uniforme marin est incontournable chez les premiers communiants ou les fils de bonne famille, il est fort rare dans la garde-robe des femmes.
Avec la contestation du dimorphisme sexuel à l’orée du 20ème siècle, les femmes audacieuses adoptent le pantalon, comme George Sand, ou Colette. Le pantalon et la jupe longue se propagent grâce à l’essor des loisirs et des transports, et offrent une alternative plus confortables aux toilettes encombrantes. Les tenues blanches pullulent sur les bords de mers, le bonnet et le col marin sont repris, de même que les rayures. Gabrielle Chanel répond à cette aspiration à une fonctionnalité nouvelle, en confectionnant ses tailleurs marins dans une matière plus confortable, le jersey.
Le costume marin offre ainsi souplesse et élégance, mais la véritable révolution se trouve dans le costume de bain. Rayé et portants les attributs traditionnels du costume marin, il se constitue d’un buste large et d’un caleçon arrivant au dessus du genoux, innovation considérable, car les femmes montrent enfin leur jambes.

Depuis, le costume marin n’a cessé de hanter l’imaginaire des couturiers, qui jouent avec ses codes. Yves Saint Laurent, Yohji Yamamoto, ou encore Christian Dior, n’ont cessé de revisiter la garde-robe du marin, au service de la femme, et en réactualisant l’imaginaire collectif. Chez Jean-Paul Gaultier, la marinière devient véritable manifeste, simple pull ou tenue de soirée. L’exposition présente une époustouflante sélection de pièces de couturiers, des Corto Maltese de Ricardo Tisci pou Givenchy, à l’univers pop et déjanté de Jean-Charles de Castelbajac. En conciliant tradition et avant-garde, le Musée de la Marine dépoussière l’image du marin, véritable icône de mode, la marinière en étendard.

By the end of the 19th century, the invasion of the sailor costume in feminine clothing became a symbol of women’s liberation. Its adoption into fashion was set out to rebel against the reigning multitude of corsets and mountains of lace. Indeed, the navy uniform was a familiar sight among those who received their First Communion or the sons of well-bred families, and yet, it was rarely worn by women.
But with the rise of sexual androgyny at the start of the 20th century, women like George Sand and Colette, dared to wear trousers. The pants and the long skirt rose in popularity thanks to the growing interest in leisurely pursuits and the rapid development of transportation, and were a more comfortable alternative to cumbersome clothes. White outfits swarmed the shores; the bonnets, navy collars and stripes were brought back to the scene. In response to this new-found practicality, Gabrielle Chanel tailored her navy-inspired designs using fabric that guaranteed wearable comfort--the jersey.
The sailor costume offered elegance and grace but the real revolution was brought about with the creation the bathing suit. Designed with stripes and other marked attributes of the sailor suit, it had a wide bust and knee-length pants which was a substantial innovation since the women could finally expose their legs.

Since then, the sailor suit has never ceased to stir the imagination of designers who want to try their creative hand in sailor-themed fashion. Yves Saint Laurent, Yohji Yamamoto or even Christian Dior continue to revisit the sailor silhouette to cater to its female clientele and come up with fresh new takes on the nautical look. With Jean-Paul Gaultier, the sailor girl has made her presence known in a simple pullover or an evening outfit. The exhibit shows a spectacular collection of designer pieces from Corto Maltese to Ricardo Tisci for Givenchy, to the outrageous pop style of Jean-Charles de Castelbajac. In reconciling tradition with the avant-garde, the Musée national de la Marine revamps the image of the sailor, a true fashion icon, with the sailor woman at the helm.

Sunday Girl

As seen in Refinery 29

Girls Outrageously Together !

Met une plume dans tes cheveux, du fard autour des yeux, enfile une robe hippie, prend une pose de groupie, et te voilà dans la peau d’une GTO’s !
Non pas pour enregistrer un disque, mais à l’occasion d’une séance photo, cinq membres du groupe se sont retrouvées:
Miss Pandora, miss Sparkly, Miss Mary, Miss Mercy et Miss Cinderella étaient au rendez vous, dans un tourbillon d’ excentricité!
Et même si on chante un peu faux c’est vrai, même si tout ce maquillage, ça va être dur à enlever, il n’empêche que lorsque les GTO’s sont là, aux milieu de grands éclats de rires, la journée s’anime de joie, d’amour et de beaucoup de fantaisie !

Stick a feather in your hair, slap some makeup on those eyelids, throw on a hippie dress, pose like a groupie, and what do you get? You’re one of the GTO’s!
No, not for a record contract, but for a photo shoot, at least. Five band members thus materialized:
Miss Pandora, Miss Sparkly, Miss Mary, Miss Mercy and Miss Cinderella all got together for a flurry of eccentricities!
It’s true, we know our singing is a little off key sometimes, and yeah, all that makeup is definitely going to be a pain to wash off at the end of the night, but still, you can’t deny that when the GTO’s appear amid gigantic bursts of laughter, the day becomes filled with joy, love, and a lot of whimsy!

Music: The GTOs - I’m in love with the ooh - ooh - man

Miss Pandora

Miss Sparkly
Miss Mary

Miss Mercy

Miss Cinderella
And now, all the band together !

Pictures and text by Alix, The Cherry Blossom Girl

Louise par Angeline Melin

Sur News from Fashion

Froufrous et belles dentelles: Le temps des crinolines au musée Galliera.

Winterhalter L'Impératrice Eugénie et ses dames de compagnies (1855).

S’il vous arrive de rêver devant les tableaux de Winterhalter, ou les films de Visconti, alors courrez au musée Galliera. Jusqu’au 26 avril, le musée consacre un exposition à l’opulente mode du Second Empire.. Avec une scénographie d’opéra, répartie en trois actes et huit tableaux, l’exposition nous présente un aperçu de la mode de l’époque. Faute de place, ce qui est en partie du aux volumes imposants des robes, seule la mode des classes aisées nous y sera présentée, et on y trouvera seulement quelques costume masculins.

Sous le Second Empire, période d’essor économique et d’industrialisation, la mode reflète la modernité en marche. Elle se fait le témoin de ces changements, notamment grâce a la mécanisation, qui permet de répondre à un goût croissant pour le clinquant, et permet l’apparition du style tapissier ou des colorants synthétiques, mais aussi une plus grande et plus rapide production de dentelle.. Ainsi, les robes s’ornent avec ostentation, les tons se font vifs, presque agressifs, tandis que les corsages se surchargent de dentelles, en harmonie avec le décor intérieur de l’époque, autre modèle de sobriété.

Avec les prémices de la vie moderne, ainsi que l’essor du chemin de fer, qui permet le développement des loisirs, la mode se doit d’être plus fonctionnelle. Malgré la crinoline, héritage des robes à paniers des siècles passés, le costume se doit de répondre à une volonté nouvelle de mouvement.

If you happen to find yourself swooning over the paintings of Winterhalter, or the films of Visconti, then hurry and go to the musée Galliera. The museum features an exhibit on the opulent fashion history of imperial France. The exhibit is showcased via an opera scene in three acts and eight paintings. With the limited space, in part because of the voluminous gowns, the display only includes the period’s style among the royals and high society women, as well as a few costumes for men.

The Second French Empire under Napoléon III was a period of economic growth and industrialization and its fashion was a reflection of modernization in progress. It became witness to several changes, notably the use of better machinery and techniques and the development of industries, which led to a growing preference for the grandiose and flamboyant, and gave way to the introduction of tapestry-like styles and synthetic dyes, and in addition, a greater and more rapid production of lace. Hence, the dresses were richly embellished, and colors were made brighter, even bolder, while the bodices were extravagantly festooned in lace, in harmony with the decor at the time. Sobriety was simply not the order of the day, so to speak.

The initial results of modern living, as well as urban planning and the construction of a centralized and extensive railroad system in France resulted in the increase of leisurely endeavors. Thus, fashion had to become more suited to the changing way of life and more geared towards efficiency. Succeeding the farthingales (late 15th through early 17th centuries) and panniers (18th century) from hundreds of years ago, the crinoline had to adapt its form and function according to the current societal demands in fashion.

Winterhalter Maria Hendrika de Belgique (1863).

Apparue en 1830 dans le cadre d’un usage militaire, la crinoline s’introduit dans le vestiaire féminin dès 1845. Elle se constitue de jupons en lin ou en coton, rigidifiés par une trame de crin. En 1856, apparaît la fameuse cage métallique, brevetée par Auguste Person. Puis, à la fin des années 1860, pour répondre aux attentes de la mode, apparaît la tournure, sorte de demi-cage, qu’on attache sur les reins. Sa forme sera soumise à des variations de mode au cours du Second Empire. Elle se fait ronde au départ, avant de se projeter progressivement vers l’arrière.

La mode se caractérise par un fort attrait pour l’historicisme et l’orientalisme. L’influence de l’antique s’impose dans les robes dites « péplums », tandis que l’impératrice Eugénie se voit fascinée par Marie-Antoinette, allant même jusqu’à se faire représenter à sa manière, par Winterhalter.

L’exposition présente de nombreux corsages et effets personnels de l’impératrice, véritable icône de mode. En effet, bourgeoises et femmes de la cour influencent les tendances, et lancent des couturiers comme Worth, ou madame Robert. Cependant, la mode ne vient pas que des classes aisées, actrices et cocottes entretenues se font connaître par leur tenues tapageuses , qui font leur succès, et se trouvent vite copiées. On se souvient de la Castiglione, et de ses coiffures échevelées. Les tendances sont relayées par les journaux illustrés comme « La vie Parisienne », « la mode illustrée », ou encore par les dessins de Constantin Guys, dont Baudelaire fera l’éloge dans « le peintre de la vie moderne ».

The crinoline first appeared in 1830 and was used in the military, then it was introduced to women’s clothing as early as 1845. It was a fabric made of a warp of linen or cotton threads stiffened by a weft of horse-hair. In 1856, the famous metal crinoline cage came out, patented by Auguste Person*.Other names have come up on the subject of the original inventor of the cage crinoline like R.C. Milliet, (here and here), M. Tavernier, W.S. Thompson and even Charles Frederick Worth. As for Auguste Person, he was mentioned in the book, Memoirs of Empress Eugénie Vol. 1 by Comte Fleury.

As the silhouette in vogue changed, so did the crinoline’s shape until what eventually followed by the late 1860s was the bustle, a type of demi-cage worn slightly below the waist. The crinoline underwent several transformations during the course of the Second Empire, starting as a round-shaped underskirt then gradually moving its drape towards the back.

This fashion period was characterized by a strong interest in historical and oriental references. The influence of the antiquity manifested itself in peplum dresses, while Empress Eugénie was fascinated by and emulated Marie-Antoinette, to the extent that she was portrayed in the same manner as her predecessor by Winterhalter.

The exhibit displays the numerous bodices and personal effects of the empress, a veritable fashion icon. Indeed, the members of the bourgeoisie and the royal court influenced the trends and launched couturiers such as Charles Frederick Worth or Madame Robert. However, the elite class were not the only innovators of fashion. There were a number of actresses and courtesans who stood out in their flashy wardrobes and whose styles became popular and were quickly copied. One such striking example would be the Countess de Castiliogne and her trademark wavy, tousled coif, to say the least.
The trends were spread through illustration magazines like La Vie Parisienne, La Mode Illustrée or else, the works of Constantin Guys, who Baudelaire widely praised in his essay The Painter of Modern Life.

Winterhalter L'impératrice Eugénie (1853).

Marquée par l’essor de la bourgeoisie, et surnommée « la fête impériale », l’époque se caractérise par le triomphe du luxe et du clinquant. Paris se fait la capitale de ce nouveau luxe, avec l’apparition des grands magasins et l’implantation des industries de luxe, comme Cartier ou Guerlain. Pour répondre au nombreuses fêtes mondaines, les élégantes se doivent de posséder tenues et parures pour chaque situation, de la robe d’après-midi à la robe de bal, mais aussi quantité d’accessoires. Face à ce rythme effréné de la vie mondaine, la garde-robe se doit d’être convertible et fonctionnelle. Ainsi apparaissent robes à transformations, ou curieuses combinaisons d’objets, à l’image des éventails porte-bouquets, ou des ombrelle-chapeaux. L’exposition consacre une salle dédiée aux fastueux costumes de bals, que côtoient éventails, et parures de coiffure. Les robes à volants se mêlent aux tableaux de Dubufe, ou Winterhalter, pour le plaisir des yeux.

With the upsurge of the bourgeois, the period was swimming in the lap of luxury and razzle-dazzle, referred to as La Fête Impériale. And Paris became its center of attraction, with the construction of huge department stores and also the establishment of industries that manufactured luxury goods, like Cartier or Guerlain. As far as the elegant women were concerned, they were faced with the challenge of keeping up with the demands of various social functions and obligations. Meaning, they had to own outfits and fineries for every occasion, from day dresses to ball gowns, not to mention a wide array of accessories. The frenzied and worldly lifestyle required wardrobes that were both interchangeable and practical. In effect, out came versatile clothes that enabled the women to get a variety of stylish looks plus, piles of curious objects such as fans, porte-bouquets (also known as a posey holder or a bouquetier), parasols and bonnets.
The exhibit has a section entirely devoted to a collection of lavish ball gowns alongside intricate fans and hair ornaments. The flouncy costumes together with the paintings of Dubufe and Winterhalter, are a delight to see.

Winterhalter La Reine Victoria (1842).

L’exposition présente aussi une sélection de robes d’élégantes, mais aussi produits de beauté, accessoires, et même poupées, qui réveillent une imagerie tirée des ouvrages de la comtesse de Ségur.Dans les dernières salles, le musée s’attache à montrer l’influence des expositions universelles et des grands magasins, qui définissent Paris comme capitale de la mode. En effet, à Paris s’implantent les grands couturiers du Second Empire, comme Worth, que l’on retrouve sous le nom de Worms dans « la curée » d’Emile Zola, ode ironique à l’esprit ostentatoire de l’époque. C’est cette émergence des couturiers de luxe, qui conduit à l’apparition de la haute couture, avec la création de la chambre syndicale de la couture en 1868, dont Worth constitue un des vice-présidents.

Si le style Second Empire, se voit remplacé en 1876, avec la naissance d’un silhouette plus fine et élancée, sa influence connaît une incroyable longévité. Depuis Christian Dior, avec sa ligne « New look », le temps des crinolines continue d’inspirer les créateurs, dans la forme comme dans l’esprit, de John Galliano à Alexander McQueen. On en ressort rêveur, la tête pleine de corsages et autres froufrous.

Not only does the exhibit present period costumes, but it also brings into view some beauty products, accessories and even dolls which are like images come to life straight from the novels of the Comtesse de Ségur.
The remaining sections show how the influence of universal expositions (1855 and 1867) and "grand magasins" (major stores like Le Printemps, La Samaritaine, Bazar de l'Hôtel de Ville, Le Bon Marché…) helped define Paris as a fashion and style capital. Indeed, Paris was the home base of the great couturiers of the Second Empire, like Worth who can be found as the illustrious character Worms in Emile Zola’s novel La Curée (The Kill), an ironical ode to the ostentatious display of wealth and power in 19th century France. The emergence of couturiers of luxury marked the beginning of haute couture, with the creation of the Chambre syndicale de la haute couture in 1868, of which Worth became one its vice-presidents.

If the style of the Second Empire had been replaced in 1876 with a finer and more slender silhouette, its influence has experienced incredible longevity. Since Christian Dior’s launch of The New Look, the crinoline continues to inspire designers both in form and spirit, from the likes of John Galliano to Alexander McQueen.
Finally, as you reach the end of the exhibit, you find yourselves in a daze and your minds filled with images of bodices and froufrous of all kinds.